Au-delà des ciseaux : la vie intense et les joies simples d’Henri Matisse

Entrez aujourd’hui dans une maison sans y voir au moins une forme inspirée de Matisse, sur un mur, un coussin ou un tapis, et vous vous croirez peut-être dans une machine à remonter le temps. Il est partout. Chez Posterscape, nous ne trouvons pas cela gênant, bien au contraire : Henri Matisse est à nos yeux le saint patron des pièces qui ont une âme. Toute sa vie, il a réduit l’art à ses éléments les plus simples et les plus joyeux, et nous en profitons encore.

On le connaît surtout pour ses papiers découpés, ces nus bleus et ces formes de feuilles qu’on dirait taillés par un enfant très doué armé de ciseaux géants. Mais Matisse n’a pas commencé ainsi. Son parcours a été long, souvent difficile, et beaucoup lui ont dit qu’il faisait fausse route. Voici comment un clerc de notaire du nord de la France est devenu l’homme qui a appris au monde à se servir de la couleur.

L’étudiant en droit qui découvrit une boîte de couleurs

Matisse n’était pas un enfant prodige. Il n’a pas grandi en dessinant au Louvre. Il est né en 1869 au Cateau-Cambrésis, une ville froide et pluvieuse du Nord, dans une famille de marchands de grains. Il part étudier le droit à Paris, réussit ses examens et devient clerc. Une vie terne, dont il semble s’accommoder, jusqu’au jour où une crise d’appendicite le cloue au lit, à 20 ans.

Pendant sa convalescence, sa mère lui offre une boîte de couleurs. Il racontera plus tard qu’à l’instant où il s’est mis à peindre, il a eu le sentiment d’avoir trouvé son « paradis ». Il abandonne le droit, au grand regret sans doute de son père, et part étudier l’art à Paris. Pour en savoir plus sur ses débuts, vous pouvez consulter sa page Wikipédia.

Ces premières années, il se cherche encore. Ses paysages et ses natures mortes sont honnêtes, mais ce n’est pas encore « du Matisse ». Tout change le jour où il cesse de peindre les choses telles qu’elles sont pour les peindre telles qu’il les ressent. Au Salon d’automne de 1905, La Femme au chapeau et les toiles de ses amis sont si vives et si libres qu’un critique les surnomme les « fauves ». L’année suivante, il expose Le Bonheur de vivre, que bien des visiteurs prennent pour une plaisanterie, voire une provocation. Sur cette affiche, nous voyons aujourd’hui une scène pastorale paisible, toute en lignes ondulantes et en orangés et jaunes éclatants.

Le temps des fauves

Le fauvisme n’a duré que quelques années, mais il a tout changé. Avec son ami André Derain, Matisse décide que la couleur n’a pas à décrire la réalité. Si un arbre leur paraît rouge, ils le peignent en rouge. Si un visage appelle une bande verte en son milieu, qu’à cela ne tienne. C’était radical, et c’est la naissance de l’art moderne tel que nous le connaissons. Cette liberté doit beaucoup à Van Gogh : c’est lors d’une rétrospective Van Gogh à Paris, en 1901, que Derain présente Matisse à Maurice de Vlaminck, le troisième fauve. On retrouve la source de leur couleur pure dans notre collection d’affiches de Van Gogh.

Nous aimons l’énergie de cette période, qui était tout entière émotion brute. Mais en vieillissant, Matisse s’éloigne de cette sauvagerie et recherche plutôt « l’équilibre, la pureté et la tranquillité ». Il ne veut pas que son art inquiète. Il a écrit qu’il voulait qu’il soit comme un bon fauteuil, où l’on se repose après une longue journée de travail. Nous trouvons qu’il y est parvenu.

Nu assis vu de dos (1913)

Le Midi et la lumière

En 1917, Matisse quitte le ciel gris de Paris pour Nice, sur la Côte d’Azur. C’est un tournant. La lumière méditerranéenne transforme sa palette. Il peint des intérieurs, des fenêtres ouvertes, des figures dans des pièces tendues de tissus à motifs, et la lumière qui filtre à travers les persiennes le fascine.

Son œuvre devient plus décorative et plus fluide. Nu au collier et aux cheveux longs (1920) montre bien son travail sur la forme pendant ces années : une étude simple et élégante, où quelques lignes suffisent à créer une atmosphère. Il ne cherche pas à rendre chaque muscle ni chaque ombre, il saisit l’essentiel de la personne. Si vous passez un jour dans le Midi, ne manquez pas le musée Matisse de Nice, installé dans une belle villa du XVIIe siècle et qui abrite l’une des plus riches collections de son œuvre au monde.

Polynésie, la mer (1946)

Une seconde vie : dessiner aux ciseaux

Le chapitre le plus célèbre de l’histoire de Matisse s’écrit à la toute fin de sa vie. En 1941, il est opéré d’un cancer de l’abdomen. L’opération le sauve, mais le laisse la plupart du temps cloué dans un fauteuil roulant ou au lit, incapable de se tenir devant un chevalet. Beaucoup auraient pris leur retraite. Matisse, lui, change simplement d’outils.

Il se met à « peindre avec des ciseaux ». Ses assistants couvrent de grandes feuilles de papier de gouache vive ; il y découpe des formes, qu’il leur fait épingler aux murs de sa chambre. Ainsi naissent les papiers découpés. Il appelle cette technique « dessiner dans la couleur », une manière de réunir la ligne et la couleur en un seul geste. C’est pour nous l’une des histoires les plus inspirantes de l’histoire de l’art : il a fait d’une contrainte physique le point de départ d’une façon entièrement nouvelle de créer.

L’une des œuvres les plus célèbres de cette période est Icare, extrait de Jazz (1947). Elle vient d’un livre qu’il a réalisé, Jazz. Une silhouette noire au cœur rouge sur un ciel bleu : c’est très simple, et cela vous touche en plein cœur. Il ne s’agit pas d’illustrer le mythe grec au pied de la lettre, mais de dire l’ivresse du vol et le danger de la chute. Forte et graphique, l’image paraît aussi moderne aujourd’hui qu’il y a quatre-vingts ans.

Autre coup de cœur de cette période : Polynésie, la mer (1946). Matisse s’était rendu à Tahiti en 1930, et ses souvenirs de la lumière et de l’océan lui ont inspiré ces formes rythmées d’oiseaux et de poissons. On dirait un poème visuel sur l’eau ; devant cette affiche, on sentirait presque la brise marine. Belle preuve qu’une œuvre n’a pas besoin d’être compliquée pour être profonde.

Pourquoi Matisse compte toujours

Vous vous demandez peut-être pourquoi Matisse est partout en ce moment. Comment un homme mort en 1954 reste-t-il le roi de la décoration ? Nous avons quelques idées.

D’abord, son œuvre s’adapte à tout. Parce qu’il travaillait des formes simples et des couleurs pures, ses affiches ne jurent pas avec le mobilier moderne. Appartement minimaliste ou maison remplie de trouvailles vintage, une affiche de Matisse semble toujours à sa place. Elle donne de l’âme à une pièce sans l’encombrer.

Ensuite, son œuvre respire un profond optimisme. Matisse a traversé deux guerres mondiales et de graves maladies, et il a pourtant refusé de peindre la noirceur ou la colère. Il a choisi la joie : les fleurs, les danseuses, la mer bleue. Dans un monde parfois pesant, ce regard au mur rappelle chaque jour de chercher la lumière.

Enfin, son style est accessible. Un papier découpé donne l’impression qu’on pourrait presque le faire soi-même, alors que trouver un tel équilibre est extrêmement difficile. Rien d’intimidant : c’est un art bienveillant.

Composer votre mur d’affiches

Pour faire entrer un peu de l’esprit de ce maître français chez vous, commencez par notre collection d’affiches Matisse. Elle réunit des dessins de jeunesse, des toiles fauves et, bien sûr, les fameux papiers découpés.

On nous demande souvent comment les accrocher. Bonne nouvelle : il n’y a pas de règle. Vous pouvez choisir une grande pièce forte, comme un Nu bleu au-dessus d’un canapé, ou réunir plusieurs petits formats. Matisse se marie particulièrement bien avec la photographie ou les planches botaniques : son œuvre est si proche de la nature et du corps humain qu’elle fait le lien entre des styles très différents.

N’ayez pas peur de la couleur non plus. Beaucoup jouent la sécurité avec le beige et le gris, mais une touche de bleu Matisse ou l’orangé du Bonheur de vivre peut transformer l’énergie d’une pièce. Elle paraît alors habitée et pensée.

Le Bonheur de vivre (1905)

Un héritage de ciseaux et de lumière

Matisse a travaillé jusqu’au bout. Même alité, il dessinait au plafond avec un fusain fixé au bout d’une longue perche. Il était obsédé par l’idée de simplifier : trouver la ligne unique capable de décrire un corps entier, le seul bleu qui donne la sensation du ciel.

C’est sans doute pour cela que son œuvre n’a pas vieilli. Les modes passent : une année tout le monde veut de l’« industriel », la suivante du « style campagne », mais Matisse reste. Il échappe aux tendances parce qu’il cherchait quelque chose de plus universel, l’équivalent visuel d’une grande inspiration.

Pour approfondir sa technique, le Metropolitan Museum propose un excellent essai sur sa carrière (en anglais). Mais nul besoin d’un diplôme d’histoire de l’art pour l’apprécier. Regardez simplement l’œuvre et observez ce qu’elle vous fait. Si vous vous sentez un peu plus léger, Matisse a rempli sa mission.

Un peu de soleil méditerranéen chez soi

Nous sommes fiers de proposer ces œuvres chez Posterscape. Pour nous, l’art ne sert pas à remplir un mur vide : il crée l’atmosphère dans laquelle on vit. Henri Matisse a passé plus de soixante ans à chercher comment mettre le bonheur sur la toile et le papier, et nous sommes heureux de le partager avec vous.

Que vous soyez attiré par les lignes souples de ses dessins des années 1920 ou par la force graphique de ses derniers papiers découpés, son œuvre a quelque chose pour chacun. Parcourez la collection, trouvez l’affiche qui vous parle et laissez entrer un peu de soleil méditerranéen chez vous.